Histoires et anecdotes peu connues sur la vie de la légende Freddie Mercury, comme celle durant laquelle le chanteur a caché Lady Di dans un club gay
24 novembre 1991 : décès de Freddie Mercury.
« Amoureux de la vie, chanteur de chansons. » La simple épitaphe, écrite par Brian May, décrit bien le personnage complexe connu dans le monde entier sous le nom de Freddie Mercury. « Pour moi, cela le résume bien, car il a vécu sa vie au maximum, » se souvient May dans un documentaire de la BBC. « C’était un homme généreux, un homme gentil, un homme impatient, parfois. Mais totalement dévoué à ce qu’il considérait comme étant le plus important, à savoir faire de la musique.«
Né Farrokh Bulsara dans le protectorat britannique de Zanzibar, le talent surdimensionné de Freddie n’a d’égal que sa flamboyance et son exubérance. Ces qualités ont fusionné pour créer des chefs-d’œuvre de chansons et certaines des plus grandes performances en direct enregistrées. Sa voix de quatre octaves – étudiée depuis par des scientifiques pour tenter de découvrir les secrets de ses subtilités et de son ingéniosité – a mis la barre très haute pour les futures générations de chanteurs de rock. Et sa mort a donné la parole aux millions de personnes atteintes du sida.
1. Il a sorti un single solo avant Queen en reprenant les Ronettes et Dusty Springfield – et en se moquant de Gary Glitter
Bien que la première apparition de Freddie Mercury avec Queen soit antérieure à toute sortie du groupe, elle met en vedette deux de ses collègues et une dose caractéristique d’irrévérence. Au début de l’année 1973, le groupe naissant enregistrait son premier album aux Trident Studios de Londres, une installation haut de gamme utilisée notamment par David Bowie et les Beatles. Même si c’était un honneur de suivre des traces aussi prestigieuses, la modeste notoriété de Queen signifiait qu’ils n’étaient autorisés à enregistrer que pendant les heures creuses : généralement entre 3 et 7 heures du matin. « On appelait ça le ‘Black Time,’ » a confié le producteur John Anthony au biographe du groupe Mark Blake dans Is This the Real Life? L’histoire inconnue de Queen. “C’est quand un ingénieur peut produire son groupe préféré. »
Un soir, en attendant que le studio soit dispo, Mercury a été approché par l’ingénieur du studio, Robin Geoffrey Cable. Cable essayait de recréer le célèbre style « Wall of Sound » du producteur de disques Phil Spector et estimait que la voix du chanteur de Queen serait un complément parfait au projet. Mercury s’est ensuite octroyé les services de Brian May et Roger Taylor, et ensemble, ils ont enregistré des reprises des Ronettes, I Can Hear Music (également reprise par les Beach Boys) et du Goin’Back de Carole King et Gerry Goffin, rendu célèbre par Dusty Springfield.
Les résultats ont été jugés adéquats et Cable a suggéré de préparer les pistes pour les publier. Freddie Mercury a accepté, mais avec les débuts de Queen presque achevés, il a insisté pour utiliser un pseudonyme afin d’éviter toute confusion. Il a choisi le nom extravagant de Larry Lurex, qui, a-t-il admis, était un tacle personnel pour Gary Glitter, qui dirigeait les charts britanniques à l’époque. Le nom de famille a été emprunté à une marque de fil métallique utilisée dans les combinaisons préférées de Glitter et de l’élite du glam rock. L’expérience n’a pas nui à sa relation avec Cable. Lorsque le groupe enregistre son album, Queen II, l’année suivante, il fait appel à l’ingénieur pour recréer le style Wall of Sound sur le titre Funny How Love Is.
2. C’est Freddie Mercury qui a conçu le logo du groupe, surnommé le «Royal Crest»
Il ne faut pas s’étonner que le nom de Queen ait émergé de l’esprit de Freddie Mercury. La liste courte du groupe incluait également Build Your Own Boat, The Grand Dance et les Rich Kids, mais aucun de ces surnoms n’était à la hauteur de la vision du chanteur. « Le concept de Queen doit être majestueux, » a-t-il déclaré à l’hebdomadaire de musique britannique Melody Maker. « Nous voulons être dandy. Nous voulons choquer et être scandaleux. » Queen correspondait mieux à ses attentes.
En plus du nom, Mercury a également conçu le logo distinctif du groupe, son interprétation d’un emblème royal. Faisant appel à ses compétences au Ealing Art College de Londres, où Pete Townshend et Ronnie Wood ont également été formés, il a dessiné les armoiries pour la couverture de leurs débuts. Cela comprenait les signes du zodiaque des quatre membres: deux lions pour John Deacon et Roger Taylor, et un crabe pour représenter le signe du cancer de Brian May. Mercury, lui, se représenta avec deux fées, qu’il présenta comme des symboles de la Vierge. Tous sont éclipsés par un phénix massif, symbole d’espoir et de renouveau, emprunté au logo de son enfance, l’école Saint-Pierre. Au centre de tout se trouve un élégant « Q » – avec une couronne, naturellement.
3. Il a construit une scène pour David Bowie et lui a vendu une paire de bottes vintage
En 1981, Bowie et Freddie Mercury collaboraient sur le titre Under Pressure, mais leur relation remonte à la fin des années 60, alors que les deux étaient relativement inconnus. Bowie avait un peu plus d’influence à ce moment-là et avait été programmé pour jouer un petit déjeuner à l’Ealing Art College. Freddie Mercury, fasciné, le suivit, proposant de porter son équipement. Bowie le mit au travail, et ils commencèrent ensemble à bouger des choses et à déplacer des tables.
Peu de temps après, Mercury et Roger Taylor ont ouvert un stand à Kensington Market, où ils ont vendu des vêtements vintage pour compléter leurs maigres revenus de la musique. « Nous vendions de vieux vêtements édouardiens, » a déclaré Taylor à Blake. « Nous recevions des sacs de foulards en soie de la part des gros marchands. Nous les prenions, les repassions et les fouettions. » Brian May se souvient d’être moins impressionné par la qualité des vêtements. « Fred ramenait des sacs entiers de beau tissu, en sortait une horrible bande et disait : ‘Regarde ce beau vêtement ! Ça va rapporter une fortune !’ Et je disais : ‘Fred, c’est un morceau de chiffon.’ »
Mercury et Taylor n’étaient pas faits pour la gestion d’entreprise, et le gentil Alan Mair, qui gérait le stand de vêtements dans l’allée, finit par les engager. « Il était toujours efficace, il était très poli, » a déclaré Mair à propos de Mercury dans le documentaire Freddie’s Millions de la BBC. « Personne ne s’est jamais plaint de lui, il n’a jamais eu de problème d’attitude. Il était souvent un peu en retard, mais ce n’était pas grave. » Mair était une connaissance du premier manager de Bowie, et un jour le futur Starman lui-même a erré dans leur stand. « Space Oddity a été un succès, mais il disait n’avoir pas d’argent, » dit Mair dans Is This The Real Life. “C’est typique du business de la musique ! J’ai dit: ‘Vous pouvez toujours les regarder, c’est gratuit.’ Freddie a montré une paire de bottes à Bowie. Il y avait donc Freddie Mercury, un vendeur, donnant à la pop star David Bowie une paire de bottes qu’il n’avait pas les moyens d’acheter. »
4. Il a accidentellement donné une grosse pause aux Sex Pistols – et l’a probablement regretté
Le 1er décembre 1976, Queen était invité à l’émission télévisée Today avec Bill Grundy, pour promouvoir leur prochain album, A Day at the Races. Mais comme Mercury devait rendre visite au dentiste – une première en 15 ans – EMI, le label du groupe, a envoyé sa nouvelle signature : les Sex Pistols. Les boissons gratuites judicieusement fournies dans les coulisses par les producteurs de télévision ont fini d’allumer la petite équipe de punks. Aidé par un combattif Grundy aussi ivre qu’ils l’étaient, Steve Jones et John Lydon (alias Johnny Rotten) ont tous deux émis de nombreuses obscénités dans les airs, y compris le fameux et impardonnable « fuck. » Bien que l’émission ne soit diffusée que dans la région du Grand Londres, la réaction rapide de la presse a propulsé les Sex Pistols sur le devant de la scène nationale. « La saleté et la fureur ! » titrait en énorme le magazine Daily Mirror en première page – de nombreux autres tabloïds ont suivi. Selon la légende, un chauffeur de camion particulièrement outragé a brisé son téléviseur. Les membres conservateurs du conseil municipal de Londres ont qualifié les Sex Pistols de « nauséabonds » et d' »antithèse de l’humanité. » De nombreuses dates de leur imminente tournée anarchique au Royaume-Uni ont été annulées ou contestées.
Les Sex Pistols méprisaient les gros groupes, en particulier l’apparat et la virtuosité de Queen. Des sentiments apparemment mutuels. Mercury n’a jamais été un fan de leur façon de faire. « Il m’a dit qu’il ne comprenait pas tout ce truc punk, » a déclaré un responsable d’EMI à Blake. « Ce n’était pas de la musique pour lui. »
En 1977, leurs chemins se sont croisés aux studios Wessex de Londres, où les Sex Pistols enregistraient leur premier album. « On les croisait régulièrement dans les couloirs, » a rappelé May à Blake. « J’ai eu quelques conversations avec John Lydon, qui a toujours été très respectueux. Nous avons parlé de musique. » Mais Roger Taylor était beaucoup moins enthousiaste à propos du bassiste du groupe. « Sid [Vicious] était un crétin. C’était un idiot, » se souvient-il dans le documentaire Queen: Days of Our Lives. La légende raconte qu’un soir, Vicious errait dans le studio de Queen et a tenté de se battre avec Mercury en grognant : « C’est bon, le grand public est fan de ballet ? » Mais Mercury savait se défendre, « Je l’appelais Simon Ferocious ou quelque chose comme ça et il n’aimait pas du tout, » a-t-il déclaré plus tard dans une interview télévisée. « J’ai dit : qu’est-ce que tu vas faire ? Et il avait tous ces badges, alors j’ai ajouté : ‘Gratte-toi bien ce soir, tu risques de ne plus te reconnaître demain.’ Il détestait que je puisse lui parler comme ça. Je pense que nous avons survécu à ce test. »
5. Il a joué avec la Royal Ballet Company
Les Sex Pistols n’auraient pas pu le savoir, mais bientôt Mercury s’acquitterait de son droit de faire aimer le ballet au grand public. En août 1979, le directeur du Royal Ballet, Wayne Eagling, cherchait une star particulièrement souple pour se joindre à eux pour un gala de charité. Après que Kate Bush les eut rejetés, Eagling se tourna vers Mercury. Bien que sa réaction initiale ait été moins que favorable (« Je pensais qu’ils étaient fous !« ), il a finalement eu l’idée de parler au chef de l’EMI, Sir Joseph Lockwood, qui était également le président du conseil d’administration du Royal Ballet. « Freddie avait un intérêt général pour le ballet, mais Lockwood l’a vraiment stimulé, » a déclaré le gérant de Queen, John Reid, dans The Great Pretender. « Il était fasciné par la balance. C’était épique. Et tout ce qui concernait la performance de Freddie était épique. » C’était un combo parfait.
Malgré les performances athlétiques de Mercury avec Queen, il faudra des répétitions intenses pour l’améliorer. « Ils m’ont fait pratiquer la musculation et tout ça, en me dégonflant les jambes… j’ai du faire en une semaine ce qu’ils faisaient depuis des années, » a-t-il déclaré au London Evening News. « C’était un meurtre. Après deux jours, j’étais à l’agonie. Il me faisait mal dans des endroits que je ne connaissais pas. »
Mercury a fait ses débuts le samedi 7 octobre 1979 au Coliseum Theatre de Londres devant 2 500 spectateurs. Il a chanté Bohemian Rhapsody et le prochain single de Queen, Crazy Little Thing Called Love avec un orchestre, tout en étant hissé par trois hommes torses nus. À la fin de la performance, il a revêtu un body en argent et a exécuté plusieurs formidables lancés complets.
6. Il a écrit Crazy Little Thing Called Love dans sa baignoire
Queen s’exila à Munich en juin 1979 pour travailler sur l’album qui deviendra The Game. Freddie Mercury venait juste de s’enregistrer à l’hôtel Bayerischer Hof et entra dans la baignoire lorsqu’une mélodie lui parvint. C’était un air rockabilly, un peu ironique. Il pensait avec affection à Elvis Presley, qui venait tout juste de mourir, et avait eu une influence vocale majeure sur lui plus jeune. Après avoir demandé à son assistant Peter Hince de lui chercher une guitare acoustique, il enroula une serviette autour de son corps et commença à jouer le squelette de ce qui pourrait être la chanson la plus simple qu’il ait jamais écrite.
« Crazy Little Thing Called Love m’a pris cinq ou dix minutes, » a-t-il admis à Melody Maker en 1981. « Je l’ai fait à la guitare, et d’une certaine manière c’était assez bien. C’est assez restreint parce que je ne connais que quelques accords. C’est une bonne discipline car je devais simplement écrire dans un petit cadre. Je ne pouvais pas travailler avec trop d’accords et à cause de cette restriction, j’ai écrit une bonne chanson, je pense. »
7. Il déguisa Lady Diana en prostituée et la glissa dans un club gay
Vers le milieu des années 80, la proximité de Queen avec la royauté allait bien au-delà de leur nom. Mercury était devenu un ami de Lady Diana Spencer, alors princesse de Galles. Celle qu’on appelait déjà « la princesse du peuple » avait conquis ce dernier avec ses manières très terre-à-terre, mais le harcèlement constant des médias devint une énorme contrainte. Alors Mercury a conspiré pour lui donner une nuit en ville.
D’après l’actrice Cleo Rocos qui racontait cette histoire en 2013, Diana et Mercury ont passé l’après-midi chez le comédien anglais Kenny Everett, « buvant du champagne devant les rediffusions des Golden Girls avec le son coupé » et improvisant le dialogue avec « une histoire hautement plus nauséabonde. » Lorsque Diana s’est enquis de leurs plans pour la soirée, Mercury a déclaré qu’ils envisageaient de visiter la Royal Vauxhall Tavern, l’un des lieux gays les plus emblématiques de Londres. La princesse a insisté pour venir.
Le Royal Vauxhall était réputé pour sa foule agitée et des bagarres éclataient souvent entre les clients – peut-être pas le meilleur endroit pour une princesse. « Nous spéculions sur le titre de presse si Lady Di était prise dans une bagarre de bar gay, » Écrit Rocos. « Mais Diana était en pleine forme. Freddie lui a dit : « Vas-y, laisse la jeune fille en toi s’amuser. »
Un déguisement était essentiel au succès du plan, alors Everett a fait don de la tenue qu’il avait prévu de porter : une veste militaire, des lunettes de soleil aviateur sombres et une casquette en cuir pour cacher ses cheveux. « En l’examinant dans la pénombre, » poursuit Rocos, « on s’est dit que l’icône la plus célèbre du monde moderne pourrait bien passer pour un modèle masculin gay plutôt excentrique. »
8. Il a enregistré des chansons avec Michael Jackson, mais l’animal de compagnie du roi de la pop, un lama, a interrompu les séances
L’amour de Mercury pour Michael Jackson remonte bien avant le succès de Queen, où il chantait bruyamment les louanges du tube des Jackson Five, I Want You Back, à ses camarades de chambre épris de hard rock. « Freddie était impressionné par Michael, » a déclaré son assistant personnel Peter Freestone à Blake. Lorsque Jackson a gravi de nouveaux sommets artistiques et commerciaux avec Thriller en 1982, le roi de la pop et le chanteur de Queen ont trouvé le moment idéal pour unir leurs forces. Au printemps 1983, Freddie Mercury se rendit au studio de Jackson à Encino, en Californie, pour commencer à travailler sur trois démos. There Must Be More to Life Than This, qui a vu le jour lors des sessions de l’album de 1982 de Queen, Hot Spaces – manquant d’un ensemble complet de paroles, Mercury encouragea Jackson à se lancer sur des cassettes. State of Shock était un air que Jackson avait composé en grande partie seul, alors que Victory était co-écrit par les deux hommes.
Les démos révèlent des efforts considérables, même si elles sont finalement restées incomplètes. Une version révisée de There Must Be More to Life Than This a été incluse dans l’album solo de Mercury en 1985, Mr. Bad Guy, tandis que State of Shock a été publié en tant que single en 1984 par la famille Jackson avec Mick Jagger. La piste Victory n’a pas été publiée à ce jour. En public, Mercury a été très diplomate en expliquant exactement pourquoi le partenariat n’a pas abouti. « On n’était jamais dans le même pays assez longtemps pour réellement finir quoi que ce soit, » a-t-il déclaré en 1987. Mais une autre interview de la même période met en garde contre le roi de la pop. « Il s’est simplement retiré dans son petit monde. Nous avons eu beaucoup de plaisir à aller au club ensemble, mais maintenant il ne sortira plus de sa forteresse et c’est très triste. »
En tout état de cause, Freddie Mercury est resté frustré sur cette collaboration ratée pour le reste de sa vie. « Fred est sorti un peu contrarié parce que certains des trucs qu’il a fait avec Michael ont été repris par les Jackson et il les a perdus, » a dit May dans Is This the Real Life. Une version en duo de There Must Be More to Life Than This, revisitée par le producteur William Orbit, a été publiée sur la compilation Queen Forever en 2014. Les deux autres titres restent inédits.
9. Il avait l’habitude d’appeler ses chats alors qu’il était en tournée et avait même écrit une chanson pour son favori, Delilah
Freddie Mercury était un peu comme un chat. Il a partagé sa maison avec un certain nombre de créatures à fourrure au cours de sa vie et trouvait difficile d’être séparé d’eux. En faisant le tour du monde avec Queen, il appelait habituellement sa maison pour parler avec ses chers animaux de compagnie. « Il arrivait à l’hôtel et il parlait vraiment à ses chats, » écrit Peter Freestone dans ses mémoires, Mister Mercury. Une amie proche, Mary Austin, tenait Tom et Jerry à l’écoute du récepteur pour qu’ils écoutent Freddie parler. Cela a continué pendant des années avec les occupants félins successifs de ses maisons.
Au moment où Jim Hutton, le dernier partenaire romantique de Mercury, emménagea dans son élégant manoir Garden Lodge, la nichée avait atteint le chiffre de six : Oscar, Tiffany, Goliath, Miko, Romeo et Delilah. « Freddie a traité les chats comme ses propres enfants, » écrit Hutton dans son livre Mercury and Me. « Il les harcelait constamment, et si l’un d’eux venait à être blessé quand Freddie était parti, le ciel lui tombait sur la tête. Pendant la journée, les chats couraient dans la maison et sur le terrain, et la nuit, l’un d’entre nous les rassemblait et les amenait à l’intérieur. »
Hutton décrit un incident lorsque Goliath disparu. « Freddie est tombé dans un profond désespoir, il a lancé un magnifique hibachi japonais à travers la fenêtre de la chambre d’amis. » Mercury était prêt à offrir une récompense de 1 000 £ pour le chat manquant, mais heureusement, Goliath a été retrouvé avant d’en arriver là. « Freddie était sur la lune, » écrit Hutton. « Pendant cinq minutes ou plus, il a porté son attention sur le chaton en le caressant et en le caressant. Puis, comme une mère, Freddie a grondé le chat, reprochant au petit Goliath pour avoir quitté Garden Lodge. La pelote de fourrure sombre restait juste là, écoutant calmement l’éclat de Freddie en ronronnant bruyamment. »
10. Freddie Mercury a insisté sur le fait que l’emplacement de ses cendres reste secret, et il l’est encore à ce jour
Mercury a été diagnostiqué séropositif au printemps 1987 et a lentement commencé à parler de son état à ses proches. « Il nous a invités à la maison pour une réunion et il nous a juste dit les faits absolus – les faits dont nous commencions à nous rendre compte, de toute façon, » a déclaré Taylor dans le documentaire Freddie Mercury : The Untold Story. L’apparence de plus en plus fragile de Mercury et sa silhouette décharnée ont accru les spéculations des médias selon lesquelles quelque chose n’allait vraiment pas chez le leader indestructible, mais le groupe a fermé les rangs et nié avec véhémence tous les problèmes. « Nous avons tout caché. Je suppose que nous avons menti parce que nous essayions de le protéger, » a dit May dans Days of Our Lives.
À la fin de l’année 1990, le groupe a achevé Innuendo, qui comportait la ballade mélancolique These Are the Days of Our Lives. Bien qu’elle n’aborde pas directement le déclin physique de Mercury, la chanson parle du jeune Queen. Les craintes pour sa santé ont été aggravées de manière exponentielle par le clip vidéo, tourné le 30 mai 1991. La décision de tourner en noir et blanc ne dissimulait guère les ravages de la maladie sur le corps de Mercury. « Il a passé des heures et des heures à se maquiller, alors ça allait, » a déclaré May à The Independent en 2011. « En fait, il dit une sorte d’adieu dans la vidéo. » La scène finale le montre en train de regarder la caméra avec un sourire ironique avant de dire : « I still love you. » Ce seront ses derniers mots devant la caméra.
Plusieurs semaines avant le tournage, Mercury était à Montreux, en Suisse, enregistrant autant de musique que le permettait son état de santé. Selon May, l’expérience a procuré à Mercury un sentiment de normalité indispensable. « Freddie à ce moment-là a dit : ‘Écris-moi des trucs. Je sais que je n’ai pas beaucoup de temps. Continuez à m’écrire des mots, continuez à me donner des choses, je chanterai et ensuite vous pourrez faire ce que vous voulez avec ça et les terminer, » dit-il dans Days of Our Lives.
Lorsque Freddie Mercury a succombé à une pneumonie bronchique liée au sida le 24 novembre 1991, son corps a été incinéré au cimetière de Kensal Green, dans l’ouest de Londres. Ses cendres ont été conservées dans une urne dans la chambre d’Austin pendant deux ans avant d’être placées tranquillement dans son dernier lieu de repos. « Je ne voulais pas que quelqu’un soupçonne que je faisais autre chose que ce que je ferais normalement. J’ai dit que j’allais me faire un soin du visage. Je devais être convaincante. Il était très difficile de trouver le moment, » a-t-elle déclaré au Daily Mail en 2013. « Je suis sorti de la maison avec l’urne. Il fallait que ce soit une journée normale, de sorte que le personnel ne s’attende à rien, car les potins du personnel, ils ne peuvent tout simplement pas y résister. Mais personne ne saura jamais où il est enterré parce que c’était son souhait. »
L’un des plus sous-estimés albums du Boss, Bruce Springsteen, mérite pourtant une écoute plus attentive. A commencer par la chanson-titre. Making of
26 avril 2005 : Bruce Springsteen sort Devils & Dust
Douze chansons pour recoller les morceaux, douze titres pour revenir à l’essence même de son songwriting, douze manières de raconter, encore une fois, cette Amérique que Springsteen a déjà mainte fois décrites dans The River, mais sans l’espoir, dans Darkness On The Edge of Town, mais sans la dureté, comme Born To Run, sans la jubilation, comme dans Born In The USA, mais sans artillerie lourde. Et surtout comme dans The Ghost of Tom Joad, dont il est le successeur, sorte de prologue plus calme, sans urgence, plutôt dans le style vintage folk à dominante acoustique… Comme dans Nebraska, l’ampleur du studio en plus. Et si The Rising, trois ans auparavant, avait vu le retour du E Street Band, le Boss ici a de nouveau opté pour le one-man band ou presque.
Devils and Dust a été enregistré dans les studios Thrill Hill à Los Angeles et au domicile du chanteur dans le New Jersey sous la houlette du producteur Brendan O’Brien, déjà à l’origine du nouveau son du Boss sur son précédent disque. Et c’est ce même producteur que l’on retrouve aussi à la basse, accompagné par Steve Jordan à la batterie et Springsteen jouant de tous les instruments ou presque. On remarquera également quelques apparitions furtives de Danny Federici aux claviers ; de l’épouse du Boss, Patti Scialfa, et de la violoniste pigiste au E Street Band, Soozie Tyrell. Aussi, le son de cet album relève plus de l’épure, loin de la puissance de son groupe avec lequel il avait, dix ans plus tôt, scellé des retrouvailles émouvantes lors d’une tournée de tous les records qui avait suivi l’enregistrement de son album de 2002.
Et sous des dehors plutôt conventionnels, Devils and Dust mérite tout de même une véritable réhabilitation, à commencer par la chanson-titre. Dans cet album, composé sur une dizaine d’année, le singer-songwriter redonne vie à ces chansons datant du milieu des années 1990, ces mêmes années où il a écrit Ghost Of Tom Joad et où, comme à son habitude, il a dû laissé de côté un certain nombre de compositions. Ainsi du surprenant « The Hitter », de “Matamoros Bank” ou de “Long Time Comin’”, où l’on retrouve les ambiances propres à cette période : la poussière du désert californien, la route, les sons countrysants, les panoramiques très cinématographiques.
En route pour le Reunion Tour
Ces titres acoustiques étaient à l’origine destinés à compléter le répertoire du Reunion Tour avec le E Street Band en 1999. Mais les attentats du 11 Septembre en retarderont la publication ; le décalage des thématiques abordées ici aurait été trop important : l’Amérique pré-11 Septembre ayant disparu dans les décombres des attentats de New York et de Washington et faire passer une apocalypse annoncée au second plan aurait été inopportun. Le Boss préférera réagir à ce traumatisme en publiant The Rising dès l’année suivante.
Il reviendra pourtant sur ce thème difficile trois ans plus tard sur cet album et ce, dès la première chanson, d’une rare violence malgré une orchestration dépouillée – guitare, harmonica, quelques violons, une rythmique discrète. Écrite en 2003, après le début de la guerre en Irak déclenchée suite aux attentats, elle aurait pu figurer en bonne place dans The Rising, car abordant à nouveau l’épreuve indicible dont on ne peut pas se remettre.
Hormis la chanson titre, le track-listing s’articule de fait sur ses sujets de prédilection, comme nombre de chansons depuis Born to Run : la foi, l’espoir, les rêves, les peurs. Notamment le surprenant et poignant « All the Way Home » où, pour la première fois, il regarde dans le rétroviseur. Il évoque l’échec et le regard des autres, mis en perspective avec l’expérience qu’apporte l’âge. «Toutes les chansons parlent de personnes dont les âmes sont en danger ou en danger. Certains rencontreront le succès et d’autres connaitront une fin tragique”, racontera Springsteen dans l’interview du « companion DVD » réalisé par Danny Clinch et tourné dans le New Jersey en février 2005, et dans lequel on trouve également cinq performances acoustiques en solo.
Papa Roach est de retour avec Ego Trip, son 11e album studio, marqué par une grande variété d’influences. Le chanteur Jacoby Shaddix vous aide à trouver votre chemin à travers cette jungle de riffs.
25 avril 2000 : sortie d’Infest, album classique de Papa Roach.
Comment vous sentez-vous à la sortie d’Ego Trip ?
Pour moi, c’est comme si Papa Roach avait un nouvel enfant. Nous nous sommes tellement impliqués dedans, cela nous a pris énormément de temps et d’énergie, mais créer est notre passion. Nous avons toujours quelque chose à dire, et sommes heureux qu’il soit à disposition du monde entier.
Ce disque est extrêmement varié, comment vous y prenez-vous ?
Nous sommes un groupe protéiforme, nous écoutons pleins de styles différents que nous incorporons dans nos morceaux. Nous sommes des fans de musique en général et combinons toutes nos propositions. Il y a peu, nous avons fêté les 25 ans de notre album Infest et l’avons analysé à nouveau. On y adore le côté narratif et les riffs. Les paroles lient l’ensemble des morceaux entre eux. Raconter une histoire authentique et honnête à travers notre musique est essentiel.
Parlons justement des paroles.
C’est un voyage dans la bataille contre mon propre égo. Qui le contrôle ? Est-ce mon côté positif, aimant et spirituel, ou est-ce mon côté égoïste, auto-centré et superficiel ? Chaque morceau raconte une histoire qui est liée à ce sujet, qui vise à le tirer vers le haut. Avec toute la tentation dans ce monde, il est très facile de prendre de mauvaises décisions, de faire du mal aux autres. Ce n’est pas mon but. Dans un morceau comme “Leave a Light on”, c’est mon bon côté, où je suis prêt à aider l’autre quoi qu’il arrive. “Ego Trip” parle du fait d’être tenté par le mauvais côté. Parfois, je reviens sur ce que j’ai pu dire ou faire, prends mes responsabilités et vais de l’avant.
Et comment allez-vous de l’avant ?
L’échec fait avancer. Parfois, je tombe, mais je me relève et fais en sorte de ne plus refaire d’erreur. C’est comme la création musicale. Il faut trouver 25 mauvaises idées pour en trouver une bonne. Cela rend humble. Parfois c’est très frustrant, mais quand tout est aligné, la création va de soi et que tout fonctionne.
Mathieu David
Retrouvez cette interview complète dans Rolling Stone Hebdo n°81, disponible ici
« Boys Don’t Cry », « Just Like Heaven » et « A Forest » font partie des 10 meilleures chansons de The Cure.
22 avril 1980 : sortie de l’album Seventeen Seconds de The Cure
The Cure n’a pas sorti de nouvel album depuis 4:13 Dream en 2008, mais cela ne les a pas empêché de se lancer récemment dans une tournée mondiale. Ils jouent pendant trois heures tous les soirs, mélangeant de grands succès comme « Pictures of You » et « Friday I’m in Love » à des chansons moins connues comme « At Night », « Primary » et « Out of This World ». Chaque concert se termine par « Boys Don’t Cry ». Voici les 10 titres incontournables de Cure.
10 | « Boys Don’t Cry »
Robert Smith n’avait que 18 ans lorsque les Cure ont enregistré Three Imaginary Boys, leur premier album. « Les chansons pop comme « Boys Don’t Cry » sont très naïves. J’étais jeune et vu que je n’avais rien fait à part aller à l’école, que je n’avais pas d’expérience dans la vraie vie et que je m’inspirais des livres, certaines d’entre elles sont plutôt pas mal », a-t-il déclaré à Rolling Stone en 2004. « Boys Don’t Cry » est devenu leur deuxième single en 1979 et a fait son entrée dans le classement des meilleurs singles. Smith a joué cette chanson 850 fois et ce nombre augmente à chaque concert.
9 | « Fascination Street »
10 ans après le début de leur carrière, les Cure ont commencé à jouer dans de grands stades et leur musique passait sur toutes les radios pop. « A l’époque, malgré tous mes efforts, on était devenu tout ce que je ne voulais pas être : un groupe de rock qui joue dans des stades. Nos relations au sein du groupe et en dehors se sont désagrégées. Intituler [l’album] Disintegration était une sorte de clin d’œil à ce qu’on vivait », a déclaré Robert Smith à Rolling Stone en 2004. Le single « Fascination Street », inspiré par une nuit bien arrosée à la Nouvelle Orléans, s’est hissé à la première place du classement Modern Rock Tracks et reste l’une des chansons favorites du public lorsqu’elle est jouée sur scène.
8 | « From the Edge of the Deep Green Sea »
Alors que la plupart des groupes des années 1980 luttaient pour trouver leur place dans les années 1990, les Cure passaient facilement à l’âge du grunge. Leur LP de 1992, Whish, fut un carton grâce à leur immense succès « Friday I’m in Love » et ils continuèrent de jouer dans des stades. « From the Edge of the Deep Green Sea » n’était pas un single mais elle est devenue l’une des chansons préférées des fans au fil des ans. Les paroles ont été inspirées par Mary, la femme de Smith, avec qui il était depuis ses 14 ans. « And all I want is to keep it like this. You and me alone, a secret kiss/And don’t go home, don’t go away/Don’t let this end, please stay », chante Smith.
7 | « The Same Deep Water as You »
Le groupe Cure a atteint son pic de popularité avec la sortie de Disintegration en 1989. Il n’était plus le groupe cool que votre grand frère adorait mais celui que vous entendiez tout le temps à la radio et dans les voitures des jeunes sur les parkings de supermarchés. Les adolescents avaient des posters de Robert Smith accrochés aux murs. La plupart écoutait probablement en boucle « Pictures of You » et « Lovesong » et passait « The Same Deep Water as You », une chanson de neuf minutes sur une histoire d’amour intense qui semble désespérément vouée à l’échec. « Swimming the same deep water as you is hard, chante Smith. The shallow drowned, lose less than we ».
6 | « Faith »
Lorsque le groupe Cure eut terminé l’enregistrement de Faith, leur LP de 1981, la célébrité n’était pas le rêve qu’ils s’étaient imaginé et les drogues ont commencé à faire leur apparition au sein du groupe. « Il y avait de la jalousie, des bruits de couloir et des personnes qui disaient qu’on avait changé. Nous sommes devenus bien plus bornés. On buvait jusqu’à tout oublier et on jouait ces chansons », déclara Robert Smith à Rolling Stone en 2004. L’album se termine par la chanson titre qui respire le chagrin. « Rape me like a child. Christened in blood/Painted like an unknown saint/There’s nothing left but hope« , chante Smith.
5 | « In Between Days »
Le premier single de l’album The Head on the Door sorti en 1985 est arrivé dans les bacs en été. Le groupe, désormais composé de cinq membres, sortait des morceaux à tour de bras. « J’ai acheté une bonne guitare acoustique en métal et j’ai commencé à jouer les accords de « In Between Days ». Je n’avais jamais vraiment pris la peine d’en jouer parce que je n’avais jamais eu une bonne guitare », a déclaré Smith à Rolling Stone en 2004. Le résultat est un morceau classique de Cure qui est devenu leur premier titre à se classer au Billboard Hot 100 aux États-Unis. Le premier de toute une série.
4 | « Disintegration »
Robert Smith a fêté ses 30 ans alors qu’il travaillait sur Disintegration. Il n’était pas sûr que continuer avec Cure était une bonne idée. Il prenait aussi beaucoup de drogue et se renferma sur lui-même. Tout ça mena à des moments très sombres sur l’album, en particulier la chanson titre dans laquelle il reconnaît que son addiction aux drogues pourrait lui coûter la vie. « I leave you with photographs, pictures of trickery. Stains on the carpet and stains on the memory/Songs about happiness murmured in dreams/When we both of us knew how the end always is », chante-t-il.
3 | « Just Like Heaven »
https://youtu.be/8Dhn_iIQXDE
La longue relation entre Robert Smith et sa femme Mary a inspiré de nombreux classiques du groupe, y compris « Just Like Heaven », leur succès de 1987. Le single euphorique a été inspiré par un voyage qu’ils ont fait ensemble à Beachy Head, une ville côtière d’Angleterre. De nombreuses personnes à travers le monde se sont reconnues dans cette chanson. Elle est devenue leur premier titre à se hisser au Top 40 aux États-Unis. La maison de disques voulait entendre plus de chansons de ce genre mais Smith ne voulait pas se répéter.
2 | « A Forest »
Le groupe a enregistré l’album Seventeen Seconds en 1980 en seulement huit jours. Il contient la chanson « The Forest » longue de six minutes. « Je voulais faire un titre vraiment d’ambiance. C’était un son fantastique. [Le chef de la maison de disques] Chris Parry a dit, ‘Si ce son passe à la radio, vous tenez un grand succès entre les mains’. J’ai répondu ‘C’est comme ça qu’il sonne. C’est le son que j’ai dans la tête. Peu importe qu’il passe à la radio ou non’ », déclara Smith à Rolling Stone en 2004. Il était finalement assez bon pour la radio et il est devenu leur premier vrai succès en Angleterre. Smith continue de penser qu’il fait partie des meilleurs de sa carrière. Le groupe a joué ce morceau plus de 1 000 fois, bien plus que toutes les autres chansons de leur vaste catalogue.
1 | « Pictures of You »
Peu de temps avant de commencer à travailler sur Disintegration, la maison de Robert Smith a pris feu. Alors qu’il regardait l’étendue des dégâts, il est tombé sur une collection de photos de sa femme, Mary Poole. Elles lui ont rappelé le temps qu’ils avaient passé ensemble et lui ont inspiré les paroles de « Pictures of You ». « Remembering you standing quiet in the rain. As I ran to your heart to be near/And we kissed as the sky fell in/Holding you close/How I always held close in your fear », chante Smith. Cette chanson est devenue le quatrième single de l’album mais ne s’est hissée qu’à la 71e place du Hot 100 (« Lovesong » s’est classée deuxième), même si beaucoup la considèrent aujourd’hui comme la meilleure chanson du groupe.
Billion Dollar Babies, légendaire sixième album d’Alice Cooper, est sorti il y a 50 ans jour pour jour. Retour sur un élément essentiel de son oeuvre.
21 avril 1973 : Billion Dollar Babies d’Alice Cooper est n°1 aux États-Unis
« L’idée derrière l’album Billion Dollar Babies était d’exploiter l’idée que les gens sont habités par des perversions maladives. Il y a tellement de gens malades de nos jours, que l’on trouve surtout chez l’homme d’affaire qui travaille au Holiday Inn d’Omaha et qui ne se détache pas de sa femme. Mais différentes perversions sexuelles sont enfouies en lui. Peut-être qu’il monte au grenier avec sa fille. C’était ce que Billion Dollar Babies au grand jour. L’album parle de perversions sexuelles. Celles qui sont américaines. Elles se doivent de l’être, nous sommes très nationalistes. »
Si l’ironie de Vincent Damon Furnier et le recul qu’il a envers le personnage d’Alice Cooper ne sont plus à démontrer, de tels propos, rapportés par Rolling Stone en 1973, ont pu choquer. En effet, bien qu’il joue sur l’aspect grotesque de l’imagerie horrifique de nos jours, cela n’était pas le cas il y a 50 ans, lorsque sortait Billion Dollar Babies, son sixième album studio.
Chris Cornell, défunt chanteur de Soundgarden, le confirme à Spin Magazine en 1989 : « Quand j’étais au collège, les professeurs laissaient les enfants mettre leurs disques préférés. J’ai amené Billion Dollar Babies et ils ne m’ont pas laissé le jouer. Ils n’avaient jamais interdit de choix avant. C’est là que j’ai su que le rock ‘n’ roll pouvait rendre certaines personnes mortes de peur. »
Artiste établi, connu pour ses frasques scéniques et sa capacité à repousser les limites du terme « shock rock », il sort donc le 25 février 1973 Billion Babies, qui deviendra rapidement son plus grand succès de l’époque. Aidé par quatre singles, « Elected » et « Hello Hooray » qui le précèdent et « No More Mr. Nice Guy » et « Billion Dollar Babies » qui le suivent, l’album est son premier numéro 1 au aux États-Unis. Il met moins d’un mois à être disque d’or.
Force est de constater qu’outre la réputation sulfureuse de l’artiste et de son groupe, Billion Dollar Babies peut être assurément considéré comme le disque le plus solide de la première période. Charpenté par de véritables classiques qui hantent encore les setlists du Coop’, comme « I Love The Dead » ou « No More Mr. Nice Guy », le disque se montre pertinent dans ses moindres recoins. Qu’il s’agisse de l’hymne rock ‘n’ roll « Raped and Freezin' » ou de la délirante « Unfinished Sweet » et son emprunt au thème de James Bond.
Loin des écueils des débuts des années 80 et des disques plus formatés (mais réjouissants) qui arriveront ensuite, Alice Cooper Group, plus soudé que jamais, sert du tube d’un côté et se permet d’expérimenter de l’autre. Le talent est présent à tous les postes .Les guitares de Glen Buxton et Michael Bruce sont affutées, soutenues par la session rythmique tenue de mains de maîtres par Dennis Dunnaway (basse) et Neal Smith (batterie). L’ensemble est chapeauté par le producteur de génie Bob Ezrin, qui, après avoir pris sous son aile les cinq Détroitiens en 1971, les fait sonner de manière toujours aussi limpide et ingénieuse, en faisant raisonner les notes de piano inquiétantes de « Mary-Ann » ou en incorporant divers bruitages discrets mais efficaces tout le long du disque. N’oublions pas le morbide et grandiloquent « I Love The Dead », qui clot le disque en grandes pompes, tout en exprimant la folie dont faisait preuve Alice Cooper à l’époque.
Élégant et sanglant, direct et recherché, chantant et inquiétant, Billion Dollar Babies est le disque de tous les contrastes et tous les superlatifs. Il s’agit sans doute du sommet de la première période d’Alice Cooper. Le groupe montre qu’il a tout compris au hard rock, si bien qu’il sort des sentiers battus et montre autant de maîtrise dans ses expérimentations diverses que dans ses tubes. Une composition au cordeau pour une interprétation suffisamment spontanée pour être honnête, tout en restant maîtrisée.
50 ans après sa sortie, Billion Dollar Babies continue d’être un classique, universel et intemporel.
« Decadent brains were at work to destroy Brats in Battalions were ruling the streets Sayin’ generation landslide, close the gap between ’em And I laugh to myself at the men and the ladies Who never conceived we were billion dollar babies »
Le 20 avril 1993, le légendaire groupe de hard rock américain Aerosmith sortait Get A Grip. Ce 11e album studio comprend son lot de classiques.
Peu nombreux sont les artistes qui atteignent les 11 albums. Encore moins atteignent cette étape tout en restant inspirés. C’est pourtant le cas d’Aerosmith. 20 ans après la sortie de son premier album, le groupe signe avec Get A Grip son plus grand succès commercial, dépassant ainsi les 20 millions d’exemplaires écoulés à travers le monde. Fort de sa réputation, le groupe trait sans discontinuer 30 années durant les classiques de ce disque, « Livin’ On The Edge » et « Cryin' » en tête.
Au delà des éternels poncifs rock ‘n’ roll que les Bostoniens ont entretenu à leur manière tout le long de leur carrière, ce disque montre un groupe qui s’interroge sur ses errements passés, notamment l’addiction aux drogues. « Nous nous sommes dits que nous pouvions revenir à ces vieilles croyances, notamment sur l’idée de faire un contrat avec le diable et établir un parallèle avec la drogue » expliquait le chanteur Steven Tyler au Los Angeles Times en 1993. « C’est amusant au début, mais quand arrive le moment où tu dois payer ta dette, si tu n’es pas assez alerte pour te rendre compte que cela t’emporte, tu peux tomber vraiment bas. »
Le fun cohabite cependant avec le sérieux derrière les textes de « Get a Grip » ou « Amazing ». Outre la gracieuse transition rototo à la fin d' »Eat The Rich », un esprit fêtard décomplexé habite les différents titres du disque. Entre les odes au plaisir décomplexé que sont « Flesh » et « Crazy », sans oublier l’irrévérencieux « Fever ». Non content de signer de sa guitare la quasi-totalité des titres du disque, Joe Perry se joint aussi à la fête en poussant la chansonnette sur le léger « Walk On Down ».
Aerosmith s’est cependant retrouvé par moments décrié à l’époque pour ses aspects commerciaux, marqués par l’inclusion de compositeurs extérieurs. Desmond Child est ainsi présent sur « Flesh » et « Crazy », Taylor Rhodes sur « Cryin' » ou même le jeune Lenny Kravitz sur « Line Up ». Force est de constater cependant que l’ensemble fonctionne 30 ans plus tard, tant le soin apporté à l’interprétation est présent et les classiques alignés.
Si Aerosmith a passé les années 70 a faire évoluer sa formule, les années 80 à la sublimer, il entre dans les années 90 en synthétisant et modernisant son propos. 30 ans se sont écoulés depuis, mais la musique subsiste. C’est d’ailleurs le cas comme le groupe, qui reste agrippé aux pis.
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